Es ist ja so, dass ich die Weisheit nicht mit dem Löffel gegessen habe. Auch wenn man nach einigen Jahren so einiges verstanden hat – man lernt nie aus.

Deswegen verweise ich wieder mal auf einen Beitrag von Daniel Martin Eckhart, der darüber schreibt was passiert, wenn man als AutorIn bestimmte Genres für sich kategorisch ausschließt, und zwar nicht nur beim Schreiben sondern generell. Ich kenne das sehr gut und – tut mir leid, aber das ist wirklich meine Erfahrung – es fällt mir besonders bei AutorInnen auf, die entweder nur im extremen Arthousebereich oder nur im extrem kommerziellen Bereich tätig sind. Und genau da muss ich mich auch selbst an der Nase nehmen.

Ich muss nämlich zugeben, dass ich zum Beispiel mit Horrorfilmen wenig anfangen kann, und zwar ganz banal deshalb weil ich mir schwer tue sie anzusehen. Weil ich mich nämlich viel zu sehr fürchte. Richtige Horrorstoffe habe ich auch sehr selten auf dem Tisch, eher Thriller und Suspense, wo der “Horror” aus dem Zusammenspiel der Figuren kommt und weniger von äußerlichen blutigen Plotpoints. Aber ich könnte vermutlich sehr viel üebr Spannungsaufbau lernen, und das ist ja auch bei allen anderen Genres relevant.

Aber jetzt zitiere ich Daniel Martin Eckhart:

Even if you can’t stand getting scared and have stayed away from horror for that very reason – get over it! Rent them, watch them, get scared – then analyze and learn. You’ll probably still never write a horror film – but the professional writer in you has just become more rounded, more experienced, more versed.
Learn to not think “genre”, but “story” instead. As a writer, you couldn’t possibly want to exclude yourself from some of the greatest stories ever told.

Und er hat wieder mal recht. Ich kann in einer guten Romantic Comedy oder einem Horrorfilm ein dramaturgisches Mittel kennenlernen, das ich woanders verwenden kann. Auch wenn ich nie eine Romcom oder einen Horrorfilm schreiben werde.

Also, was sind die 5 besten Horrorfilme, die ich mir anschauen muss weil ich dort dramaturgisch etwas lernen kann?

Ach so, und noch ein Tip: Ich bilde ja immer Kinogemeinschaften. Ein Freund von mir ist der Komödienexperte und nimmt mich dorthin mit. Mit einem anderen, der viele Arthousefilme ansieht gehe ich wiederum in die Hollywood Blockbuster. Wieder andere erzählen mir so enthusiasmiert von bestimmten Arthousefilmen oder Experimentalfilmen, dass ich sie unbedingt ansehen muss.  Ich versuche offen zu sein, nicht zu werten und vor allem immer neugierig zu bleiben. Wie erreicht der Film was er erreichen will? Wie unterschiedlich kann man Geschichten erzählen? An welchen Stellen reagiert das Publikum? Wieso? Was kann ich für meine Arbeit mitnehmen? Dadurch habe ich schon manche Entdeckungen gemacht. Denn mit einem hat Daniel Martin Eckhart verdammt recht:

If you’re a writer and you exclude an entire genre – you are, in fact, messing with your profession, your craft, your goals, your future, you’re messing with what you might one day become – the best there is.

Irgendwas ist mit SOCIAL NETWORK, dass dieser Film immer wieder zu mir zurückfindet. Aktuell in diesem Artikel. Dort gibt es ein Interview mit Aaron Sorkin, in dem er über die Recherche und Entstehung des Drehbuchs berichtet.

Auf die Frage wie er zu dem Projekt kam, meinte er, dass er ein Konzept(!) für ein Buch über den Facebookgründer Mark Zuckerberg in die Hände bekam, zu lesen begann und nach Seite drei sofort zusagte:

…it was because it’s set against this very modern backdrop of this very modern profession that I didn’t know very much about at all. It was a classic story of friendship, loyalty, betrayal, power, jealousy and class: things that Shakespeare and Chayefsky wrote about yet none of those guys was available so I have it.

Allein das ist schon spannend: Die Fähigkeit den emotionalen Kern der Geschichte zu erkennen, wenn man durch die moderne Oberfläche  in die Erzählung hinein schaut.

Und über die unterschiedlichen ZEitebenen, die durch die Gerichtsverhandlungen bestimmt werden und dadurch ermöglichen drei Perspektiven auf dieselbe Sache zu zeigen:

I really like courtroom dramas that begin with you being convinced of somebody’s guilt or innocence, and you change your mind several times along the way. So I thought: I’ll use these two depositions as the pillars to tell the story. I wish I would have arrived at those ideas quicker. It took me a long time to get there. Other writers, better writers, understand immediately that that’s how you’re supposed to do that. So it just takes me a while to get there.

Und so weiter. Es ist wirklich lesenswert. Wer noch mehr über Aaron Sorkin und seinen Prozess des Schreibens erfahren will sollte außerdem diesen Artikel lesen.

Das beste daran ist aber, dass am Anfang des Artikels ein Link ist über den man sich das Drehbuch in all seiner 164 Seiten langen Schönheit herunterladen kann. Ich habe gerade nur mal den Anfang überflogen und mich gleich festgelesen. Es ist wirklich spannend wie viele Regeln in dem Buch gebrochen werden, angefangen von dem im Grunde wenig symathischen Antihelden als Protagonisten über seitenlange Dialogszenen ohne große Aktionen, wilde Zeitsprünge und so weiter. Das funktioniert natürlich aber nur weil Aaron Sorkin seine Werkzeuge absolut im Griff hat und noch dazu genug Ideen und Kreativität um aus nervigen Typen und langweiligen Aktionen (wie: in Computerbildschirme starren, Gerichtsverhanldungen in Sitzungsräumen etc.) komplexe und interessante Charaktere und Situationen zu machen, die das Ausmaß einer griechischen Tragödie erreichen. Wirklich lesenswert.

“It’s all the pasta of my life” sagt Coppola in diesem kurzem Interview über seine Ideen und das Schreiben, und auch sonst erfährt man in den wenigen Minuten eine Menge an interessanten Gedanken über den Schreibprozess.

Update: Daniel Martin Eckhardt hat nicht nur einen Artikel über dieses Interview geschrieben sondern Coppolas Gedanken transkribiert, damit ihr sie in Ruhe nachlesen könnt. Hier entlang, danke Daniel!



Nowness ist überhaupt eine sehr interessante Seite, gerade weil es nicht nur um Film geht sondern auch um Mode und Design und die ganzen anderen alltagskulturellen Dinge des schönen Lebens.

Jay O’Callahan ist professioneller Geschichtenerzähler. In diesem Video erzählt er von seiner Profession. Am Ende demonstriert er seine Kunst mit einer neu erzählten Geschichte über ein Ereignis das wir alle kennen. Faszinierend. (Und für mich ein Grund wieso wir das tun, was wir tun, mit dem Filmemachen und Drehbuchschreiben und so weiter.)

Mit dem neuen Computer ruckelt das Bewegtbild im Internet nicht mehr, und ich konnte mir endlich die HBO Imagine Seite frustfrei anschauen.

Nach dem Motto “The more you see, the more you know” wird einem dort eine Geschichte in vielen kleinen Mosaiksteinen präsentiert. Sogar einzelne Szenen werden teilweise aus vier verschiedenen Perspektiven gezeigt. Die meisten Szenen haben in sich nochmals einen Twist. Dabei ist es egal, mit welchem Mosaikstein man anfängt, die gesamte Geschichte wird einem  erst am Ende klar (wobei ich sie offen gestanden etwas verwirrend finde, aber der Wille und die tolle Umsetzung zählt. Und alles zu verstehen ist ja heutzutage sowieso obsolet. Siehe LOST).

Der Regisseur Florian Meimberg schreibt auf seiner Twitterseite Tiny Tales Kürzestgeschichten, die in 140 Zeichen ganze (Film-)Welten entwerfen.

Das wiederum haben sechs IllustratorInnen zum Anlass genommen, die entsprechenden Plakate zu kreieren.

(Schönes Projekt, sowohl die Tiny Tales als auch die Plakate. Kennt jemand ähnliche Sachen? Ich mag das. Sehr.)

Das Leben schreibt die besten Geschichten. Sagt man. Erstaunlich ist dann nur immer wieder, dass sie unglaubwürdig wirken, wenn man sie auf die Leinwand bringt. (Außer es ist eine Komödie, wo man das unter “Überhöhung” abhakt.)

Folgende Geschichte: Ein frustriertes Ehepaar geht im Internet auf Liebessuche, der jeweilige Ehepartner weiß nichts davon dass der andere es auch tut. Im Chat findet jeder seinen/ihren Seelenverwandten. Sie machen ein Treffen mit der neuen Liebe aus – und stehen sich selbst gegenüber.

Klingt doch wie aus einem Film, oder? Ist aber angeblich wirklich passiert. Im Film wäre das eine klassische Romantic Comedy, allerding nicht wie in echt mit Scheidung am Ende, sondern mit der Erkenntnis “Wir sind quitt, haben was daraus gelernt und leben glücklich bis ans Ende unserer Tage.”

(Und ich wüsste zu gerne wieviele AutorInnen jetzt gerade auf Grund des Artikels an einem Exposé schreiben.)

Wusstet ihr, dass Billy Wilders Grabstein so aussieht?

Ich nicht. Großartig, oder?

Hier findet ihr eine “annotierte Webliografie” zu Billy Wilder, mit vielen guten Links. Zum Beispiel zu seinen Goldenen Regeln des Drehbuchschreibens, die da unter anderem lauten:

6. If you have a problem with the third act, the real problem is in the first act.

7. A tip from Lubitsch: Let the audience add up two plus two. They’ll love you forever.

Besonders Nummer 6 kann ich unterschreiben, das ist meiner Erfahrung nach in 99% der Drehbücher, die Probleme mit dem 3. (oder auch 2.) Akt haben, so. Oft stellt sich zum Beispiel heraus, dass etwas Wichtiges über eine Figur nicht etabliert wurde, und zwar schlichtweg deswegen, weil man sich noch zu wenig mit ihr auseinandergesetzt hat.

Und hier noch ein amüsantes Video über die Drehbucharbeit von Billy Wilder und seinem Co-Autor I.A.L. Diamond (via Go Into the Story). Zitat zur Frage wie das mit dem Drehbuchschreiben so ist: “It’s blood, sweat and tears. It is a drag.”

Stefan Ruzowitzky spricht im Interwiew mit dem Magazin ScreenIndia einige Dinge an, die ich auch gerne predige (ja, ich meine wirklich “predigen”, besonders wenn es um StudentInnen und das Problem geht, das Ruzowitzky am Ende des Interviews anspricht.)

Hier einige Auszüge:

“Well, storytelling is one of the primal art forms and needs of people. I think it’s so important to hear and identify with protagonists; it’s a very important part of being human. It’s fine to experiment but story telling is essential for humans, and so it’s never out of fashion.“

“I think for a good film, you need an emotional involvement, if you make the audience feel something you’ve achieved your goal. You go to the movies for an emotional experience.”

“If you tell your story only for the audience, not from the heart then it will fail, similarly if you tell your story from the heart but it’s not what the audience wants to hear, there is still a problem. In Austria and Germany they tell students it is all about you, and that’s only half the truth.”

(Link via Christa Auderlitzky von Filmdelights.)

Gratulation, Christoph Waltz.

Hier gibt es ein längeres und sehenswertes Interview mit Christoph Walz bei Charlie Rose. (Überhaupt: Die Gäste von Charlie Rose!)

Ich finde es großartig, dass er gewonnen hat. Dass Christoph Waltz mit Quentin Tarantinos Hilfe aus dem deutschen TV Movie Geschäft ausgebrochen ist. Dass ein intelligenter Mensch um die 50 so einen Schritt tun kann. Und überhaupt war ich ja zweimal im Kino um INGLORIOUS BASTERDS zu sehen, nur wegen einer Handvoll Szenen: Der Anfang im Landhaus, die Szene mit dem Apfelstrudel, die in der Kinolobby und der Schluss. In allen Szenen kommt Christoph Waltz vor.